Acercamiento histórico al Rap, el Hip hop y otros géneros urbanos.

Hola Radioescuchas, bienvenidos a una nueva emisión de las músicas del mundo con Viento en popa ensamble, programa que se produce y emite por 104.1 Unicauca estéreo, el universo sonoro de las culturas. Mi nombre es Pablo Gnecco y en esta ocasión haremos un acercamiento histórico al Rap, el Hip hop y otros géneros urbanos. Comenzamos nuestra audición con nuestro primer invitado Pigman Markham interpretando las que son consideradas las primeras grabaciones del Rap, son estas las canciones Here comes the judge del año 1968 y Who got the numbers? lanzada en 1969. 

El Rap es un estilo musical que se caracteriza principalmente por la interpretación vocal que incluye rimas, lenguaje con contenido explícito y un desarrollo rítmico del discurso propio de la voz hablada. El rap es en cierta medida un espacio gris que comparte fronteras con el habla, la prosa, la poesía y el canto. Usualmente se interpreta sobre una pista musical, que en la mayoría de las veces es proporcionada por un DJ pero que no descarta la posibilidad de ser interpretada con un grupo musical, un acompañamiento vocal onomatopéyico conocido como beatbox o simplemente a capella con acompañamiento de sonidos corporales. Para finales de la década de 1960, cuando aparecieron las primeras grabaciones de Rap, el Funk fue la base rítmica y armónica que brindó un colchón para este temprano género. Sin embargo la palabra Rap es más antigua. Se documentó su primer uso hacía el año de 1541 y su significado sufrió todo un proceso evolutivo, para la década de 1930 la palabra adquirió el significado de “conversar, especialmente de manera abierta y franca" y ese trasfondo está totalmente relacionado con el fenómeno artístico que posteriormente se desarrolló. Musicalmente el estilo tiene un lugar especial en la genealogía de la música afroamericana. Su conexión es directa con sus parientes anteriores tales como el blues, las canciones de trabajo, el gospel y como se dijo anteriormente el Funk. Escucharemos a continuación a Benny Richardson & Fellow inmates interpretando la canción de trabajo Jody y después a James Brown con la canción Sex Machine.

El Rap tuvo su desarrollo más florido a finales del siglo XX, sin embargo este estilo musical tiene un arraigo bastante antiguo en las tradiciones orales africanas. Existe en la tradición de África occidental una figura popular conocida como Griot y que hace referencia al narrador de historias. Este personaje es equiparable a la figura del juglar o del bardo, músico errante que viaja por el mundo cantando historias que se componen de realidad y ficción, que informan y construyen memorias en las comunidades. Estos músicos interpretaban sus líricas acompañados con una gran variedad de instrumentos incluyendo instrumentos autóctonos africanos de cuerda y percusión. Esta tradición se vio nutrida también en norteamérica por la riqueza cultural que en esta región se congregó debido al complejo proceso de colonización de este continente. Es así como la misma figura de esa persona que narra historias cantadas se desarrolló también en otros géneros tales como el Blues, el Country y el Rock. Escucharemos a continuación a Fanta Damba interpretando la obra Mama Doukoure, después a Shirley Ellis con el tema The clapping song y a James Dean con la canción Big Bad John.

La época que se considera la era dorada del Rap se ubica entre mediados de la década de 1980 y principios de los 90. Para esos días se dio una gran innovación en el lirismo de las canciones, una generación de artistas posicionaron su estilo marcando una pauta en la cultura Hip Hop, entre ellos se destacan Chuck D de PE, Big Daddy Kane, KRS-One y Rakim. Las grabaciones y producciones de etapas anteriores a la época señalada son consideradas expresiones del Hip Hop de la vieja escuela. A este punto, cabe señalar que el Hip Hop es un término más general, que no solamente alude a las expresiones musicales, sino que abarca todo un contexto cultural que tuvo sus orígenes en el sur de Harlem y el Bronx, en la ciudad de Nueva York durante la década de 1970. Las expresiones que usualmente se identifican con la cultura Hip Hop constan de cuatro aspectos principalmente, a saber: Rap, asociada con la voz hablada y cantada; Turntablism o Djling, asociada a la manipulación del sonido y la música grabada; Breaking, asociada al control corporal y la danza y Graffiti, asociada con la pintura y las expresiones visuales. En sus comienzos el Hip Hop surge fiestas de barrio tales como festivales y verbenas haciéndose cada vez más popular en la ciudad de Nueva York, especialmente en el Bronx, donde las las culturas latinas y afroamericanas conviven.​ Esas block parties comenzaron a incorporar DJ's que pinchaban géneros de música popular, especialmente funk y soul. Como consecuencia de la positiva acogida, los DJ's comenzaron a aislar los breaks de percusión de las canciones más populares. Esta técnica era similar a lo que se intentaba hacer en los sound systems jamaicanos. La música afroamericana, especialmente el Rhythm & blues se había hecho popular en el Caribe en los años 50 gracias a la influencia estadounidense. Para satisfacer los gustos populares, grandes sistemas de sonido fueron acondicionados como impresionantes discotecas ambulantes. De vuelta a Nueva York, se replicaron los soundsystems pero el Reggae y otras músicas jamaicanas no tuvieron mayor acogida, sin embargo, la réplica del set tecnológico dio origen a la actual mesa de mezclas de un DJ. Escucharemos a continuación a The Sugarhill Gang interpretando la canción Apache, después a DJ Kool con la canción Let me Clear my throat seguido de M.C. Hammer con la canción U can´t touch it.

  

Esperamos que este programa haya sido de su agrado y los invitamos a seguir en sintonía de 104.1 Unicauca estéreo, el universo sonoro de las culturas. También a comunicarse con nuestro equipo de producción por medio del correo ggcoral@gmail.com, es muy importante conocer sus inquietudes y experiencias. Agradecemos los aportes a este ámbito del conocimiento realizados por Rodney Sebastian Clark Donald, más conocido como El Chombo, en los cuales se basa en gran medida este episodio. Nosotros somos Maria Alejandra Medina en la coordinación general, Gabriel Coral en la dirección y quien les habla es Pablo Gnecco. Hasta la próxima.

El gen del Jazz - parte 2

  

Hola Radioescuchas, bienvenidos a una nueva emisión de las músicas del mundo con Viento en popa ensamble, programa que se produce y emite por 104.1 Unicauca estéreo, el universo sonoro de las culturas. Mi nombre es Pablo Gnecco y en esta ocasión continuamos con el viaje que emprendimos en nuestra última emisión. Es una inmersión por la genética del jazz en la cual exploramos con lupa su ADN. Nuestra primera pieza de audición es el tema Tenor Madness, compuesto por el saxofonista Sonny Rollings. Este es el primer track del álbum de 1956 del mismo nombre en el cual está acompañado por Red Garland en el piano, Paul Chambers en el bajo, Philley Joe Jones en la batería y John Coltrane en el saxo tenor. Es considerada una grabación excepcional puesto que es la única en la que participan Rollings y Coltrane considerados dos grandes tenoristas de la época. De está participación se ha escrito en el pasado, aludiendo a la riqueza de esta grabación puesto que en ella presenta a cada saxofonista en una improvisación extendida, luego intercambiando de uno a otro, brindando una yuxtaposición fascinante y emocionante de estos dos maestros en su quehacer sonoro. Rollins toca en un estilo de blues conmovedor con muchas notas de adorno y efectos del saxo conocidos como Blend, mientras tanto, Coltrane tiende a favorecer un enfoque lírico sin el uso de los colores contenidos en la escala del blues.

El término "El Gen del Jazz" es una metáfora utilizada por el profesor Francis Thomas, que hace referencia a la estética y las expresiones sonoras afroamericanas que nacieron a principios del siglo XX. Tras un análisis de sus características es notorio que dichas expresiones están relacionadas, es así como el Hip-Hop, el Funk, el Jazz y el Blues, entre otros géneros han sido una influencia y reivindicación de la cultura afroamericana en los tiempos en los que esta ha sido la música preferida por las juventudes. La música afroamericana tiene una larga historia de identidad y memoria que se ha transmitido de generación en generación, y su tratamiento estético del ritmo y la armonía ha revolucionado la manera en que los artistas abordan la creación musical. Por otra parte, el uso de la improvisación como parte fundamental del jazz es un aspecto importante de su identidad musical, lo que representa un reto para los estudiantes de música interesados en la interpretación de estos estilos puesto que implica el desarrollo de la habilidad de componer instantáneamente. Nuestro siguiente invitado es el legendario Charlie Parker, también conocido como "Bird", fue un saxofonista, compositor considerado uno de los músicos de jazz más influyentes de la historia, Parker desarrolló un estilo revolucionario de improvisación, que más tarde fue llamado Bebop, en el que utiliza armonías y melodías bastante complejas. En su interpretación escucharemos en primer lugar la canción My Little suede shoes, grabada en 1951 acompañado por Walter Bishop Jr en el piano, Teddy Kotick en el bajo, la batería de Roy Haynes y la conga y el bongo interpretados por Luis Miranda y José Mangual respectivamente. Después, escucharemos el tema Now is the time, grabado en 1945 junto a Curly Russell en el bajo, Max Roach en la batería, el piano de Hen Gates (seudónimo utilizado por Dizzy Gillespie en esta grabación) y Miles Davis en la trompeta.

La industria discográfica ha sido clave en la evolución del jazz, desde la grabación de los primeros discos hasta la era digital actual. Ha permitido a los músicos llegar a audiencias globales e impulsó el desarrollo del género. Gracias a su influencia comercial se crearon distintos estilos dentro del jazz y su tecnología permite escuchar de primera mano las sonoridades buscadas por los mismos intérpretes. En cierta manera, la industria musical también afectó profundamente la manera de estudiar la música. Las grabaciones de improvisaciones musicales son un material de estudio fundamental para los intérpretes amantes del jazz, ya que en ellas se encuentra la información que caracteriza la genética del jazz y la riqueza identitaria de sus sonoridades. Al interior de las escuelas musicales una de las habilidades en las que es necesario adiestrar a los estudiantes es la capacidad auditiva de escuchar, retener, imitar y transcribir las expresiones musicales que conviven con los músicos. Este ejercicio permite estudiar y analizar la música de otros artistas, aprender de su estilo y técnica, y desarrollar su propio vocabulario y creatividad. También ayuda a mejorar la capacidad auditiva y a comprender mejor las estructuras armónicas y melódicas del jazz. Osvaldo Mendelson, Jaime Henao, El pollo Burbano, Rafael Vallejo, Juan David Romero, entre otros maestros han inculcado en sus estudiantes, lista en la cual nos incluimos, la necesidad de la transcripción musical para aportar al propio lenguaje sonoro. Esta lista de reproducción fue proporcionada por el maestro Nathan Hiltz en la clase de entrenamiento auditivo de Humber College con la finalidad de recolectar algunos de los solos más influyentes del género. El turno en la audición es ahora para el legendario Miles Davis con el tema Freddie Freeloader del álbum Kind of Blue de 1959 al lado de Julian "Cannonball" Adderley en el saxofón, Jimmy Cobb en la batería, John Coltrane en el saxo tenor, Wynton Kelly en el piano y Paul Chambers en el bajo. Después escucharemos la pieza Óleo en la cual acompañan a Miles Sonny Rollins en el saxo tenor, Horace Silver en el piano, Percy Heath en el bajo y Kenny Clarke en la batería.

Teniendo en cuenta que una parte de la metáfora de la genética del jazz corresponde al tratamiento rítmico, es necesario a este punto ahondar sobre el swing. El swing es un elemento fundamental de la música jazz que implica una división irregular del tiempo con énfasis en la segunda nota de un par de notas tocadas en un tiempo binario. Los músicos de jazz utilizan el swing para crear una sensación de sincopación y groove. A pesar de que este es el nombre de un estilo musical temprano dentro del género, este es un elemento clave del estilo rítmico del jazz y se puede escuchar en todos los instrumentos, creando una sensación única de improvisación y colaboración en el conjunto. Por otra parte está la funcionalidad armónica de la metáfora en mención, los elementos funcionales en el jazz se refieren a cómo se organizan los acordes y la estructura de las canciones, siendo la progresión de acordes y la forma de la canción elementos importantes. Este aspecto es de suma importancia para la  improvisación puesto que es donde los músicos sientan sus bases para crear música sobre la marcha utilizando la armonía y la estructura de la canción como punto de partida. A este punto, es un gran aporte del jazz a la música, la percepción de diferentes centros tonales en interacción al interior de una pieza musical, ya que proporcionan un punto de referencia tonal novedoso con respecto a la música tonal anterior que permite la coherencia y la creatividad en la improvisación. Escucharemos ahora al guitarrista Wes Montgomery interpretando la obra Something like bags, grabada en el álbum So Much Guitar en 1961 al lado de Hank Jones en el piano, Ron Carter en el bajo, Ray Barretto en las congas y Lex Humphries en la batería. 

Esperamos que este programa haya sido de su agrado y los invitamos a seguir en sintonía de 104.1 Unicauca estéreo, el universo sonoro de las culturas. También a comunicarse con nuestro equipo de producción por medio del correo vientoenpopaensamble@gmail.com, es muy importante conocer sus inquietudes y experiencias. Agradecemos a los profesores Thomas Francis y Nathan Hiltz en cuyos postulados se basa este episodio. Escucharemos cerrando esta audición a Bill Evans interpretando el tema What is this Thing Called Love del álbum Portrait in Jazz de 1959 al lado de Scott LaFaro en el bajo y Paul Motian en la batería. Nosotros somos Maria Alejandra Medina en la coordinación general, Gabriel Coral en la dirección y quien les habla es Pablo Gnecco. Hasta la próxima.

El Gen del Jazz

Hola Radioescuchas, bienvenidos a una nueva emisión de las músicas del mundo con Viento en popa ensamble, programa que se produce y emite por 104.1 Unicauca estéreo, el universo sonoro de las culturas. Mi nombre es Pablo Gnecco y en esta ocasión iniciamos nuestra novena temporada de viajes musicales a través de la radio. Es un goce para nosotros emprender cada una de estas aventuras y estamos muy agradecidos con toda nuestra radio audiencia, para todas las personas que nos acompañan: ¡Salud y vida!. El viaje que hoy emprendemos es una inmersión por la genética del jazz en la cual exploramos con lupa su ADN. Nuestra primera pieza de audición es el tema So What, primer track del álbum de 1959 Kind of Blue del trompetista de Alton-Illinois Miles Davis. En esta grabación participan también Julian Cannonball Adderley en el saxofón alto, John Coltrane en el saxo tenor, Bill Evans en el piano, Paul Chambers en el contrabajo y Jimmy Cob en la batería.   

El término de “El Gen del jazz” es una metáfora utilizada por el profesor Thomas Francis para referirse a la estética que relaciona las expresiones afroamericanas. En ese sentido, es posible seguir un hilo a través de expresiones actuales tales como el Hip-Hop, el Funk, El Jazz, El Blues y observar su relación e influencia con respecto a la línea de tiempo en la cual estos géneros fueron preferidos por las juventudes. La realidad es que gracias a los desarrollos tecnológicos de la captura de sonido esa herencia no solamente ha sido grabada y reproducida, también se recicla y se reinventa a través del sampler. Analizando este “gen” con más detalle se puede decir que sus características se remiten a aspectos físicos y funcionales de la música relacionados con el tratamiento rítmico y armónico de las expresiones afroamericanas que hacen parte de la historia de la industria discográfica. El siguiente invitado a nuestra audición es el trompetista Louis Armstrong, nacido en New Orleans y uno de los primeros íconos de la industria discográfica. Su carrera tuvo su ascenso durante los años 20 del siglo pasado y transcurrió durante más de cinco décadas. Sus interpretaciones llevan el sello de su estilo y son reconocidas mundialmente, al día de hoy es considerado como uno de los pilares fundamentales del jazz y una de las más tempranas influencias de muchos otros artistas. Escucharemos una grabación de 1927 junto a Kid Ory en el trombón, Lil Armstrong en el piano, Johny Doods en el clarinete, Johnny St. Cyr en el banjo y Lonnie Johnson en la guitarra. Los temas son Hotter than That y Struttin with Some BBQ.

La metáfora de los genes del jazz tiene asidero en el concepto, proveniente del argot de la biología y las ciencias naturales, del gen como unidad física y funcional básica en el estudio de las líneas hereditarias. Los seres vivos contamos con copias de los genes que adquirimos de nuestros padres. De acuerdo con ese escenario, la parte de la metáfora relacionada con el aspecto físico de las expresiones musicales afroamericanas tiene que ver con el tratamiento estético del ritmo. Desde los días en que los pueblos africanos fueron llevados en barcos hasta América para explotar su mano de obra, la música ha sido un referente de identidad de todas estas personas. Gracias a ella la memoria ha traspasado tras generaciones y aún hoy perdura viva en la cultura de norteamérica y  del mundo. Canciones de trabajo, cantos espirituales y otras expresiones vocales que son consideradas fundamentales en la historia del jazz fundamentan rítmicamente esa identidad, la acentuación de los pulsos débiles de un compás binario, es decir, los pulsos 2 y 4 a diferencia de la música clásica europea que presta mayor énfasis a los pulsos 1 y 3. El siguiente invitado para esta audición es el trompetista y cantante Chet Baker. Nacido en Oklahoma es conocido como el príncipe del Cool debido a sus aportes a este estilo del jazz. En su interpretación escucharemos los temas But not for Me, Sweet Lorraine y Autumn Leaves. 

Prosiguiendo con el análisis de las características de los genes del jazz, la parte de la metáfora asociada con el aspecto funcional del gen es la que se relaciona con el tratamiento estético de las armonías y melodías en el jazz. Este tratamiento tiene como premisa la aplicación de distintas fórmulas que brindan una estructura sólida para el desarrollo de un discurso musical bastante aceptado y divulgado. No se puede negar que la línea hereditaria de este aspecto tiene una fuerte relación con la música europea anterior al siglo XIX. En esta tradición la música tiene un arraigo profundo con la religión y se puede decir, rudamente, que mucha de esa música usa como desarrollo armónico y melódico básicamente una extensión de la función tonal de los acordes primarios de la escala mayor. Es así como la tónica, que se constituye como el centro gravitatorio o la casa, tiene un constante juego dialéctico con su quinto grado o la dominante que resuena y requiere una resolución posterior. Entre estos dos colores está el cuarto grado de la escala, o subdominante, que se constituye en una transición entre los dos acordes anteriores. Esta estructura tiene una reminiscencia en formas tempranas del jazz como el blues que alude directamente a estructuras que las personas de aquellos tiempos reconocían como música litúrgica. El tratamiento que las expresiones afroamericanas dieron a estos aspectos fue la inversión de las funciones y la creación de distintos centros tonales dentro de una pieza musical. Los aspectos melódicos y armónicos del jazz revolucionaron la mirada de los artistas hacia la música existente y abrió la puerta a una manera innovadora para abordar nuevas creaciones. El siguiente invitado para esta audición es el saxofonista de Mississippi Lester Young, afamado por su estilo sutil y elegante fue uno de los primeras influencias del género en su instrumento. Escucharemos en su interpretación el tema Boogie Woogie de 1936 al lado de Count Basie · James Rushing y Carl Smith, seguido de Shoeshine Boy. Después escucharemos el tema Lester Leaps in de 1939 al lado de Count Basie en el piano, Buck Clayton en la trompeta, Dicky Wells - trombón, Freddie Green - guitarra, Walter Page en el bajo y Jo Jones en la batería

 

Por otro lado, uno de los aspectos más importantes del jazz es el uso de la improvisación como parte fundamental de las obras. Es de resaltar que uno de los mayores retos para los estudiantes de música que se interesan en la interpretación de estos estilos es la adquisición de este lenguaje y la capacidad de componer al instante que es lo que implica la habilidad de improvisar musicalmente. Para ello generaciones de músicos se han dedicado a la transcripción de las improvisaciones musicales, o solos, que más son de su agrado. Es así como esta colección de canciones se constituye como un importante material de estudio para los intérpretes amantes del jazz puesto que en estas grabaciones reposa la información que caracteriza la genética del jazz, la complejidad de su lenguaje y la riqueza identitaria de sus sonoridades. Cerrando la audición tendremos al saxofonista Sonny Rollings interpretando la canción Pent up House al lado de Clifford Brown en la trompeta, Richie Powell en el piano, el bajo de George Morrow y la batería de Max Roach.  

Esperamos que este programa haya sido de su agrado y los invitamos a seguir en sintonía de 104.1 Unicauca estéreo, el universo sonoro de las culturas. También a comunicarse con nuestro equipo de producción por medio del correo vientoenpopaensamble@gmail.com, es muy importante conocer sus inquietudes y experiencias. Agradecemos a los profesores Thomas Francis y Nathan Hiltz en cuyos postulados se basa este episodio. Nosotros somos Maria Alejandra Medina en la coordinación general, Gabriel Coral en la dirección y quien les habla es Pablo Gnecco. Hasta la próxima.

Señal en vivo

Propuestas musicales de grupos estudiantiles del Humber College.

Hola Radioescuchas, bienvenidos a una nueva emisión de las músicas del mundo con Viento en popa ensamble, programa que se produce y emite por 104.1 Unicauca estéreo, el universo sonoro de las culturas. Mi nombre es Pablo Gnecco y en esta ocasión haremos un recorrido por las propuestas musicales de grupos estudiantiles del Humber College. Comenzamos nuestra audición con Johnny Griffith Blue note ensemble y el tema Black.

El Instituto de tecnología y aprendizaje avanzado Humber College es una institución de educación superior ubicada en Toronto - Ontario, en Canadá. Fue fundado en 1967 y desde entonces se ha posicionado como un importante centro educativo en la ciudad de Toronto y el área del sur de Ontario. El Humber College está organizado en 6 facultades que ofrecen una gran diversidad de programas académicos a la comunidad en general. Estas facultades son: Ciencias aplicadas y tecnología, Negocios, Ciencias de la Salud y Bienestar, Artes y ciencias liberales, Aprendizaje innovador, Servicios sociales y comunitarios y Medios y artes creativas. Esta última facultad tiene un amplio abanico de ofertas académicas que se enmarcan en los programas de postsecundaria, opciones de acreditación y educación continua y que se relacionan en diferentes maneras al mundo de las artes y la creatividad. La Facultad de Medios y Artes Creativas cuenta con un programa llamado Escuela Comunitaria de Música y brinda educación musical accesible a niños y jóvenes en el área del gran Toronto. Fue fundada en 1980 y opera desde el campus Lakeshore de Humber, la escuela ofrece lecciones privadas semanales y clases en grupos pequeños para niños y jóvenes de todos los niveles de experiencia musical. Durante su existencia la escuela ha establecido una reputación internacional como líder en la educación musical, siendo aspectos de resaltar la formación musical para niños y la enseñanza del lenguaje del jazz, propio de Norteamérica, ayudando a cientos de estudiantes a desarrollar su talento y perseguir sus aspiraciones en la música. El siguiente grupo invitado es Marito Marques brazilian ensemble interpretando los temas Lavadeira do rio, Dia chuvoso y  Agua de Beber.

El programa de pregrado en música de Humber es diferente a cualquier otro título de música de cuatro años en América del Norte puesto que combina estudios en tecnología de grabación y estrategia comercial empresarial con interpretación, producción, composición y composición de jazz, pop, R&B, música latina y del mundo. El programa tiene como finalidad equipar a sus estudiantes con el conocimiento y las habilidades necesarias para tener éxito en el mundo musical cosmopolita de la actualidad. Los profesores de esta facultad son artistas que representan quién es quién en la música canadiense. De esa manera, los estudiantes desarrollan su maestría musical a través de lecciones privadas y conjuntos, así como en clases grupales que exploran el entrenamiento auditivo, la teoría musical, la improvisación, la producción, la historia y temas relacionados. Al ser Toronto un centro de la industria del entretenimiento de Canadá, Humber atrae a los mejores profesionales del jazz, el teatro musical, la televisión, el cine, los comerciales y el pop. Los siguientes invitados son Ravi Naimpally Global fusion ensemble interpretando los temas Mascaram Setaba y Waving Sands

Después de dos años de cursos básicos de música, los estudiantes de Humber College continúan desarrollando sus habilidades instrumentales y de interpretación, además de tomar clases de producción musical y negocios musicales mientras eligen entre materias optativas en arreglos, composición, improvisación avanzada, música para películas, técnicas de producción musical, composición de canciones, etnomusicología, pedagogía y más. Además, desarrollan la maestría musical y el arte presentando recitales propios a partir del tercer año de estudio, arreglando y componiendo material original, y grabando y comercializando música con propuestas originales. Todos los estudiantes completan un proyecto/portafolio de grabación en su cuarto año. El portafolio ensamblado, que incluye un kit de prensa completo y una grabación de calidad profesional, así como otros materiales promocionales, funciona como su tarjeta de presentación para ingresar a la industria de la música después de graduarse. El siguiente grupo invitado es Waleed Abdulhamid African rhythm and jazz ensemble interpretando los temas: Rafiki y Ya samra.

La facultad de artes creativas de Humber College cuenta con una instalación de grabación profesional y educativa llamada Gordon Wragg Recording Studios. Esta unidad de grabación consta de un estudio de última generación, un aula electrónica y salas de estaciones de trabajo de audio digital individuales. Con una gran cantidad de los mejores equipos de grabación profesional y supervisión experta, los estudios brindan a los artistas en formación un entorno profesional de la más alta calidad en el que pueden depurar sus propuestas creativas. Para finalizar la audición escucharemos a Will Jarvis rhythm and soul ensemble interpretando los temas Talking loud, Ain't nobody y Can't hide love.

Esperamos que este programa haya sido de su agrado y los invitamos a seguir en sintonía de 104.1 Unicauca estéreo, el universo sonoro de las culturas. También a comunicarse con nuestro equipo de producción por medio del correo vientoenpopaensamble@gmail.com, es muy importante conocer sus inquietudes y experiencias. Nosotros somos Maria Alejandra Medina en la coordinación general, Gabriel Coral en la dirección y quien les habla es Pablo Gnecco. Hasta la próxima.

La música de Andrés Mauricio Paz

Hola Radioescuchas, bienvenidos a una nueva emisión de las músicas del mundo con Viento en popa ensamble, programa que se produce y emite por 104.1 Unicauca estéreo, el universo sonoro de las culturas. Mi nombre es Pablo Gnecco y en esta ocasión haremos un recorrido por las propuestas musicales de Andrés Mauricio Paz “Pillin”. Comenzamos está travesía musical con el tema Parteras

Andrés Mauricio Paz, conocido en el ambiente artístico como “Pillin” es un músico nariñense que ha desempeñado un rol protagónico en distintas propuestas musicales que son referente de la música nariñense contemporánea. Su preparación como productor, ejecutante de distintos instrumentos, compositor, arreglista, docente, musicoterapeuta e ingeniero de sonido imprimen en sus propuestas sonoras un sello único que caracteriza su música. En la primera parte de este programa estaremos escuchando su última producción discográfica que lleva como título Puente Alivio. Esté álbum está conformado por 5 temas cuyos textos líricos hacen referencia a luchas femeninas y a la posición del hombre en torno a esas causas. Con el paso del tiempo, las mujeres han luchado para ganar importantes espacios en el tejido social, entre ellos: el derecho al voto, el derecho a la educación y el derecho a la inclusión en el ámbito político; sin embargo, aún muchas de sus voces son silenciadas y todavía la desigualdad de género es una realidad. La creación musical de Pillín adquiere una dimensión bastante interesante al tocar estos  temas, puesto que su tratamiento ha sufrido una transformación social con el pasar de los años. Hoy en día es profundamente necesario para la sociedad, que se comprendan las luchas de las mujeres por un tratamiento más justo, y que pueden llamarse feministas, desde una mirada igualitaria. De la misma manera, es necesario comprender que promulgar activamente un cambio en el rol de la mujer en la sociedad, inculcado desde el ámbito familiar en donde se promueva una igualdad de géneros en la diversidad de modelos familiares del mundo de hoy, es un acto que promueve el bien común, el cuidado del otro, el amor por la vida. Escucharemos a continuación las canciones Déjales vivir bien y Pan y rosas.

 

La propuesta musical de Andrés Mauricio Paz Pillin, contenida en su álbum Puente alivio, no solamente sienta el precedente de una posición solidaria del hombre frente al feminismo; también reconoce la responsabilidad de los poderes hegemónicos y de un sistema que se torna sistemáticamente arbitrario, del cual solamente han surgido amargos jugos de hiel y muerte. Por otra parte, los textos de sus canciones admiran el saber ancestral de la mujer y valoran sus expresiones autóctonas presentes en la medicina, el arte y la cultura. Esa realidad, cruda que muerde, está ambientada con un contexto sonoro en el cual convergen en mixtura, vertientes del jazz moderno, el rock y la música colombiana, especialmente los aires suroccidentales del sonsureño. En ese sentido, la propuesta de Puente alivio es una evolución del trabajo musical de Pillin en el cual se aprecia una filigrana con mayor madurez. Para lograr esas sonoridades el álbum cuenta con la participación de otros músicos nariñenses, son ellos: Juan Jairo Benavides como co-arreglista e intérprete de la cuerda, de saxos, la quena y el oboe. En la percusión, Jorge Gúzman. También los solistas invitados Rafael Vallejo e Ivan Ortega y las voces femeninas de Sandra y Venus Sofía Mora. Por su parte, Pillin interpreta las guitarras eléctricas y bajos de la producción. Escucharemos a continuación las canciones Ni loca y después La madre de agua.

En su búsqueda de un reconocimiento de la relevancia del saber femenino ancestral, Andrés Mauricio Paz Pillin, identifica una concordancia de las luchas femeninas con el cuidado y el amor por la naturaleza, la representación del planeta y su riqueza como un elemento sagrado en cuyo ser reside la deidad esencial de la vida, la fauna y la flora, lo biótico y abiótico  que mantiene el equilibrio de este mundo. En medio del caos sistemático de nuestra realidad, la música que Pillin ha propuesto en épocas anteriores a su último álbum ya tenía ese norte fijo: la búsqueda de una sanación terapéutica por medio del sonido; una conexión vital con un entorno lleno de bosques y montañas, de lagos y de volcanes. Escucharemos a continuación las obras Las 64 y Ojos de Miel.

En sus exploraciones sonoras Andrés Mauricio Paz Pillin ha incursionado en músicas sonoras de otras latitudes, es el caso de las músicas druidas, especialmente las que cuentan con la sonoridad del arpa celta. Este es un instrumento de cuerda pulsada con un marco triangular proveniente de las naciones celtas del noroeste europeo de las cuales toma su nombre. Las músicas de esas culturas tienen un arraigo especial hacia la naturaleza puesto que las creencias celtas se basan en una conexión mística con montañas, ríos, árboles, manantiales, lagos y pantanos. En ese sentido, el espíritu de Pillin resuena con el arpa celta dejando relucir ese brillo infantil, inocente y picaresco propio de los duendes de cuentos e historias fantásticas que cautivan la imaginación de niños y adultos. Escucharemos a continuación las obras Pucará y Encuentro. 

Otro de los aspectos que Pillin ha abordado en sus propuestas musicales es el carácter festivo, jocoso y danzable de la música nariñense que ambienta el Carnaval de negros y blancos, especialmente en el rítmo conocido como Sonsureño. Sus canciones han sido grabadas y ejecutadas por la agrupación Sol barniz que cuenta con un reconocido bagaje a nivel nacional e internacional. Las propuestas danzables de Pillin denotan un interés por llegar a un público más amplio, el cual pueda apreciar elementos propios de la cultura nariñense enriquecidos con sonidos actuales del rock y la música tropical destinada al baile. No sobra mencionar que el éxito logrado en dicho fin radica en el reconocimiento popular de este estilo y la gustosa aceptación de esta música por parte del público. Escucharemos cerrando la audición a Sol Barniz interpretando las canciones Rico Piscina, La chisparosa y El guagua viringo. 

Esperamos que este programa haya sido de su agrado y los invitamos a seguir en sintonía de 104.1 Unicauca estéreo, el universo sonoro de las culturas. También a comunicarse con nuestro equipo de producción por medio del correo vientoenpopaensamble@gmail.com, es muy importante conocer sus inquietudes y experiencias. Nosotros somos Maria Alejandra Medina en la coordinación general, Gabriel Coral en la dirección y quien les habla es Pablo Gnecco. Hasta la próxima.

Señal en vivo

El rol protagónico de la mujer en el jazz

Hola Radioescuchas, bienvenidos a una nueva emisión de las músicas del mundo con Viento en popa ensamble, programa que se produce y emite por 104.1 Unicauca estéreo, el universo sonoro de las culturas. Mi nombre es Pablo Gnecco y en esta ocasión haremos un recorrido por el rol protagónico de la mujer en el jazz. Escucharemos para empezar nuestra audición a Lil Hardim Armstrong, conocida como la Dama del jazz, interpretando el tema Boogie Me, después tendremos a la trompetista y cantante Valaida Snow interpretando el tema Caravan y cerrando esta sección The international sweethearts of rhythm con el tema Jump children.

 

Este género de origen norteamericano tiene un fuerte arraigo en la mezcla de culturas. En la actualidad, este lenguaje musical puede considerarse la música clásica de Norte América, y no solamente eso, sino también una de las pocas expresiones autóctonas arraigadas al territorio del actual pueblo estadounidense. Una de las influencias más directas del estilo musical proviene del continente africano. El pueblo afroamericano de los países del norte (y en general de todo el continente) es heredero de una larga historia de migraciones y desplazamientos forzados por medio de la opresión, la violencia del desarraigo y la trata de personas esclavizadas. Con el paso del tiempo, la sociedad tornó su paradigma y acogió esa fuerza social trabajadora como parte fundamental del crisol cultural sin dejar de lado la segregación sistemática de un modelo que exprime a sus ciudadanos como limones. Consecuente con lo anterior, la industria discográfica tuvo sus orígenes y desarrollo de manera paralela al cambio de estatus de la población afro y aprovechó en gran manera este fenómeno sociocultural para amasar fortunas de la mano del talento de los intérpretes y compositores. En este proceso industrial se constituyó una fuerte influencia patriarcal en la cual, nuevamente, se establecieron distintas relaciones de poder en el que la mujer, al igual que en el ámbito social, fue en gran medida discriminada y relegada a otros oficios, de manera general aquellos ligados al cuidado del hogar, y específicamente en el ámbito del espectáculo a los roles del canto y del baile . Pese a ello, la historia está nutrida de intérpretes femeninas de la mejor calidad y que nos permiten tener una perspectiva más amplia de la línea de tiempo del género y además sientan un precedente de valentía, originalidad y perseverancia. Escucharemos a continuación a la pianista Mary Lou Williams interpretando All blues y después a Hazel Scott con la obra Piece of Mind.

 

De la misma manera en que “los orígenes y el desarrollo del jazz sólo pueden explicarse en base al impacto que el racismo tuvo en la vida de los estadounidenses Negros del momento”. La discriminación que evidenciaron las artistas mujeres de los inicios del género fue notable y, en cierta manera, fue ese el detonador de expresiones musicales muy innovadoras, estimulantes, complejas y llenas de sentimientos que rápidamente tuvieron consonancia en el público. Fue así como muchas artistas, entre ellas las hoy seleccionadas para acompañar nuestra audición, levantaron sus voces y sus talentos para marcar un precedente claro del poderío musical femenino y trascendieron el rol subordinado en una agrupación musical tomando las riendas de sus proyectos creativos, generando así expresiones tan exquisitas como las que hoy escuchamos. Prosiguiendo nuestra audición tenemos a Ella Fitzgerald interpretando I don't mean a thing, después escucharemos a Billie Holiday interpretando la obra Body and Soul y al cierre del segmento Nina Simone con la obra Feelin good.

Con el paso del tiempo, las mujeres han luchado para ganar importantes espacios en el tejido social, entre ellos: el derecho al voto, el derecho a la educación, el derecho a la inclusión en el ámbito político, entre otros; sin embargo, aún muchas de sus voces son silenciadas y todavía la desigualdad de género es una realidad. En nuestros días es necesario que se promulgue activamente un cambio en el rol de la mujer en la sociedad, inculcado desde el ámbito familiar en donde se promueva una igualdad de géneros en la diversidad de modelos familiares del mundo de hoy. En los ámbitos artísticos, las expresiones femeninas han estado siempre presentes aunque subyugadas a los poderes hegemónicos. Sin embargo, eso no ha sido impedimento para que los sueños de muchas jóvenes mujeres destaquen y sean representativos de sus épocas en la línea de la historia. Hoy nuestro aporte contribuye a abrir un espacio para el reconocimiento de esa lucha dispar que todas nuestras invitadas han librado frente al poder hegemónico del género y del comercio. Escucharemos a continuación a Esperanza Spalding con el tema On the sunny side of the street y después a Carolina Calvache interpretando El Sotareño.

Esperamos que este programa haya sido de su agrado y los invitamos a seguir en sintonía de 104.1 Unicauca estéreo, el universo sonoro de las culturas. También a comunicarse con nuestro equipo de producción por medio del correo vientoenpopaensamble@gmail.com, es muy importante conocer sus inquietudes y experiencias. Para este episodio contamos con la valiosa colaboración de Julia Monaco. Finalizando la audición tendremos a Jazzmeia Horn interpretando la obra What 's going on. Nosotros somos Maria Alejandra Medina en la coordinación general, Gabriel Coral en la dirección y quien les habla es Pablo Gnecco. Hasta la próxima.

Herencia de nuestros propios linajes musicales

Hola Radioescuchas, bienvenidos a una nueva emisión de las músicas del mundo con Viento en popa ensamble, programa que se produce y emite por 104.1 Unicauca estéreo, el universo sonoro de las culturas. Mi nombre es Pablo Gnecco y en esta ocasión haremos la travesía de nuestra propia búsqueda de conocimientos musicales. Este episodio es un homenaje a influyentes artistas que han compartido, en distintas ciudades del mundo, sus saberes y sus técnicas. Hoy exploramos la herencia de nuestros propios linajes musicales. Los primeros invitados provienen de la ciudad de Buenos Aires, ahí compartí en primera persona con ellos en la Escuela de Música de Buenos Aires muchos momentos de aprendizaje. Son ellos: en primer lugar el trío Tressoff integrado por Carolina Thriers, Jorge Trebino y Jorge Pemoff interpretando el tema Tarada y después tendremos a Abel Patrone interpretando la obra Por que tu sonrisa brillará en mi corazón para siempre.

En el Suroccidente Colombiano, en tierra de volcanes se encuentra ubicada San Juan de Pasto, la capital del departamento de Nariño. De ese lugar, cuna de grandes artistas, provienen en gran parte las primeras influencias de este programa puesto que en muchas ocasiones se convive con la música en los ambientes familiares y esa fue la realidad experimentada por nuestro director con los tres siguientes invitados. En primer lugar, desde la intimidad familiar de la familia Coral, es el invitado el grupo Raíces Andinas con el tema El cisne seguido de Rafael Vallejo, hermano, amigo y maestro, interpretando El psiconauta. Cerrando este segmento nariñense tendremos a Oscar Velásquez interpretando La primavera.

En las ricas tierras alojadas en los valles interandinos, la ciudad de Cali cuenta con una ubicación privilegiada en las faldas de las montañas conocidas como Los Farallones, gozando de abundante agua, que nutre y riega el gran valle, y una fresca brisa que acaricia sus construcciones y sus habitantes refrescando los días al final de la tarde. Cali es también conocida como la capital de la salsa y fue durante algún tiempo nuestro lugar de residencia y punto neurálgico en nuestra búsqueda de conocimiento. Tres son los invitados que más nos marcaron con su saber. En primer lugar tendremos a Antonio el Pollo Burbano con el tema Descarga tacones. Posteriormente, la Orquesta Sinfónica del Valle interpreta el arreglo de Felix Dario Morgan del tema San Antonio y al cierre del segmento Jaime Henao y Liliana Montes interpretan el tema La llamita.

La Escuela de música de Buenos Aires, ubicada en la capital argentina, es una de las academias con mayor reconocimiento por su calidad educativa en las áreas relacionadas con el performance y la producción musical. Es una institución de carácter público que por medio de la gestión privada ofrece un abanico amplio de opciones en formación artística de alta calidad. Otros grandes maestros que compartieron ahí sus saberes saber ahí fueron Sebastian Zambrana, guitarrista clásico y él es nuestro siguiente invitado interpretando  Surubí. Después, nuestros invitados son Gerardo Rodríguez Espada y Mauro Piterman, profesores de armonía y arreglos y orquestación respectivamente, quienes integran el dueto Contrasaxo interpretando un aire de las pampas argentinas.

Esperamos que este programa haya sido de su agrado y los invitamos a seguir en sintonía de 104.1 Unicauca estéreo, el universo sonoro de las culturas. También a comunicarse con nuestro equipo de producción por medio del correo vientoenpopaensamble@gmail.com, es muy importante conocer sus inquietudes y experiencias. Finalizando la audición desde Medellín el maestro Leon Giraldo interpreta la obra Estudios Colombianos. Nosotros somos Maria Alejandra Medina en la coordinación general, Gabriel Coral en la dirección y quien les habla es Pablo Gnecco. Hasta la próxima.

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